tapirr

Почему ЛеВитт - концептуалист, а Кабаков - нет

Почему ЛеВитт - концептуалист, а Кабаков - нет? Потому что работы ЛеВитта не требуют от зрителя никаких усилий по( Read more... )

приводит

vakin Американский художник-абстракционист Марк Ротко

Марк Ро́тко (англ. Mark Rothko, имя при рождении — Ма́ркус Я́ковлевич Ротко́вич; 25 сентября 1903, Двинск, Витебская губерния — 25 февраля 1970, Нью-Йорк) — американский художник, ведущий представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей живописи цветового поля.

Родился и вырос в образованной еврейской семье. Глава семейства Ротковичей, опасаясь того, что детей заберут на службу в царскую армию, решил эмигрировать в США, следуя примеру многочисленных еврейских семей, бежавших от погромов. В Америку уже уехали двое братьев Якова Ротковича, которые обосновались в Портленде, штат Орегон и занялись производством одежды. Маркус остался в России с матерью и старшей сестрой.

Осенью 1923 года Ротко, навещая друга в Школе Искусств в Нью-Йорке (Art Students League of New York), увидел, как художники рисовали модель. Как позднее говорил сам Ротко, в этот момент он родился как художник. Некоторое время спустя он поступил в «Новую школу дизайна» в Нью-Йорке, где одним из его преподавателей стал один из основателей «абстрактного сюрреализма» Аршиль Горки. Осенью того же года Ротко ходил на курсы в «Лигу студентов искусств Нью-Йорка» к Максу Веберу, влияние которого сказывается в ранних работах Ротко. Именно с тех пор он стал воспринимать искусство как инструмент эмоционального и религиозного самовыражения.

( +20 )

1944, Mark Rothko Gethsemane huile et fusain sur toile 138,1 X 90,2 Collection Kate Rothko

1944, Mark Rothko Hierarchical Birds huile sur toile 100,7 X 80,5 Washington, National Gallery of Art

1944, Mark Rothko Slow Swirl at the Edge of the Sea huile sur toile 191,1 X 215,9 New York, Museum of Modern Art

1944 u Mark Rothko td craie aquarelle, crayon et encre sur papier 66 X 99,1 Collection Richard S Fuld Jr

( Read more... )

Пишет

snowdrop в Марк Ротко, часть 2: "Фирменный стиль"

Предудыщее части:
Марк Ротко, часть 1: Путь художника.
Марк Ротко, бонус: люди.

Главной поворотной точкой развитиия Ротко в 40-х стал отказ от мультиформ в пользу его "классического стиля": цветовых полей в форме размытых горизонтальных прямоугольников, расположенных один над другим. Ротко без устали экспериментировал с форматом картин и комбинациями цветов и тонов в поисках способа передачи различных настроений и эмоций. Но, несмотря на разнообразие, каждое полотно безошибочно узнаваемо, как именно его работа.

Без имени, 1950.

( Текст - вольный перевод английских аннотаций к залам выставки. )

Набрёл у Кротова: "Америка внесла в культуру два вклада: кино и книги о самосовершенствовании. "

Дальше читать не стал. Чего ждать от человека, который не в курсе как джаза, так и абстрактного (и вообще, модернистского) искусства?

Оригинал взят у

mylifedesign в Музей Гетти в ЛА и немного про Поллока

Недавно попала в музей Гетти в Лос-Анжелесе. Одно из моих любимых мест там. Вид на весь город и интересные выставки. В этот раз я успела на выставку Поллока. Фокус был на его главной самой большой картине mural, которую у него заказала пенни Гуггенхайм, когда ему было около 32 и он был еще сравнительно неизвестным. Поллоку пришлось поломать стену между 2 комнатами, чтобы вместить холст. Картина была написана маслом и в вертикальном положении, здесь только намечалась его техника dripping technique с промышленности красками.
Это была его самая большая работа 8 на 20 футов. Что интересно, как в музее Гетти картину изучали с самыми последними исследовательскими приборами и под микроскопом, чтобы понять сколько времени у художника заняло написать эту картину. Как он писал, мокрым по мокрому или ждал, пока слои высохнут. Одна познавая клякса была воспроизведена и было открыто что в масляную краску было добавлено еще одно масло, которое про кипятили, это дало жидкую структуру краске, но в то же время пластичность и клякса, нанесенная вертикально была более цельная без подтеков следовательно.
Фотографировать там было нельзя поэтому я сделала фото из книжки.

( Read more... )

Думаю (именно как человек, некоторую часть жизни занимавшийся современным искусством, и некоторую часть жизни занимавшийся именно рисованием, т.е. тем, где техника требуется), что это верно:

http://www.livejournal.com/magazine/97642.html

Интересно, что в качестве картинки приводится это:

Фрагмент картины американского художника Барнетта Нюмана (1905—1970) «Чёрный огонь I» (1961)
На последних торгах произведениями современного искусства аукционного дома Christie's в Нью-Йорке
картина ушла за рекордные $84,1 млн.

т.е. произведение действительно высшего класса.

Но оно хорошо иллюстрирует финальный вывод статьи- что талант продолжает много значить.
Это очень талантливо.
Но техники не требует - да.

**

И насчёт времени дилетантов тоже согласен.
И священники и политики и , кажется, все остальные - на таланте некоторые выезжают.
Но знаний и умений - у большинства очень мало.

The Plough and the Song (II), 1946
Oil on canvas
134.2 x 155.7 cm

Сегодня проснулся со словосочетанием на губах: "Аршил Горький". А всё потому что вчера я слушал такой концерт:

( про концерт )

Орган - это, конечно, Горки...

( фото )

ГОРКИ, АРШИЛ (Gorky, Arshile) (наст. имя и фамилия Востаник Адоян) (15.04.1904 года Хорком (турецкая провинция Ван)- 21.07.1948 года Шерман (шт. Коннектикут)), американский художник, один из лидеров абстрактного экспрессионизма.

Родился в Хоркоме (турецкая провинция Ван) 15 апреля 1904 в семье торговца. Спасаясь от войны и связанных с нею преследований армянского населения, перебрался с родными в Тифлис, а затем в Батум (1919). В 1920 семья эмигрировала в США. Посещал Рисовальную школу штата Род-Айленд в Провиденсе; затем (1926–1931) преподавал в Нью-Йорке, в Рисовальной школе и Центральном художественном училище. В своем артистическом псевдониме соединил имя «Аршил» (армянское «Ахилл») с фамилией «Горки» (в честь М.Горького).

Начинал с вещей традиционно-фигуративного рода (Автопортрет с матерью, 1926, Музей современного искусства, Нью-Йорк); долго искал свою манеру, увлекаясь П.Сезанном, П.Пикассо и В.В.Кандинским. Большое влияние на него оказала встреча с Р.Матта (1939). Вскоре, развивая принципы сюрреализма в сторону все большей беспредметности, стал одним из самых значительных мастеров абстрактного экспрессионизма. Переходной от фигуратива к абстракции стала серия Сад в Сочи (1940–1942). Писал красочные, нередко нарочито-загадочные по названиям полотна с зыбкими формами, которые резко выделяются на цветном фоне, напоминая фрагменты судорожно пульсирующего организма. Иной раз в этих фантасмагориях угадываются – в виде воспоминаний о детстве – приметы традиционного крестьянского быта. Среди его произведений – Лист артишока как сова (Музей современного искусства, Нью-Йорк), Печень как петушиный гребень (галерея Олбрайт-Нокс, Буффало), Как вышитый передник моей матери разворачивается в моей судьбе (частное собрание, США; все работы – 1944), Помолвка 2 (1947, музей Уитни, Нью-Йорк).

В 1946 году масса его картин погибла в результате пожара в студии. К пожару прибавились и другие несчастья, в том числе автокатастрофа (1948), искалечившая правую руку. Все это отразилось на душевном состоянии художника.

Умер Горки в городе Шерман (шт. Коннектикут) 21 июля 1948."

Как же, "умер", ждите... Вот пишет Цитера:

"Скажите пожалуйста, в истории современном искусства какие-нибудь нормальные здоровые люди засветились? А то открываю конспекты на первой же странице (Abstract exprеssionism) - и просто по порядочку:

Jackson Pollock: хронические психические проблемы, алкоголизм, депрессии, услуги психоаналитиков, погиб в автокатастрофе
Mark Rotko: депрессии, инфаркт, самоубился в собственной мастерской
de Kooning: болезнь Паркинсона, алкоголизм
Arshile Gorky: мастерская сгорела, рак, автоавария, парализованная рука, повесился в мастерской...
И это я еще не долистала до венских акционистов, о мама дорогая..."

Да, так и есть.
У меня был художественный проект на эту тему (творчество и неблагополучие).

Есть фильм Эгояна "Арарат", об Аршиле Горьком.

Jardin à Sochi

( картины смотреть )

( Подробная биография )

( Фотографии )

( Отзывы )

( Ссылки )

Забавный случай: к чему бы мне было нести свои картины Гии Ригваве, если он был художник совсем другого направления и смысла? Но, как-то они были тогда самым - не скажу честным, евро-комунистские убеждения Ригвавы мне не были блИзки - а интересным явлением. С Бренером я приятельствовал, а он Ригваву очень ценил. Ну, я и принёс папочку с абстрактной графикой. Он сказал: похоже на Сола Левитта.

Которого в честь этого и смотрим:

"Квадрат, поделенный на 4 равные части,
каждую из которых заполняют
параллельные полосы в различных направлениях"
1982
Гравюра на дереве

Из разных источников:

"Графика и настенные рисунки Левитта, прежде всего, ассоциируются с его поздним творчеством. Между этими сферами деятельности и скульптурными работами художника имеется тесная связь.

Во-первых, она проявляется в том, что графические работы Левитта иногда ложились в основу его скульптуры. Это мы можем наблюдать на примере уже рассмотренной нами «Серии с неполными разомкнутыми кубами» 1974 года: сначала появился рисунок на эту тему, демонстрирующий все возможные вариации и лишь затем – скульптура, отталкивающаяся от рисунка.

"Variations of Incomplete Open Cubes"
Вариации с неполными разомкнутыми кубами
1974

Во-вторых, настенные рисунки и графика, как и скульптурные работы, основаны на оперировании базовыми геометрическими формами, но здесь они становятся гораздо более разнообразными. Помимо привычных куба, параллелепипеда и квадрата появляются сферы, пирамиды, треугольники. Зачастую используются полосы, а также многие другие, иногда довольно сложные формы, которые при этом не теряют своей связи с геометрией.

( Далее )

Примером подобного интереса к идее куба может послужить серия с неполными разомкнутыми кубами 1974 года («Variations of Incomplete Open Cubes»), где мы наблюдаем последовательное отсекание фрагментов куба, каждый раз при этом сохраняющее его идею.

( Read more... )

Antoni Tàpies

[Spanish Abstract Expressionist Painter, born in 1923]

Репортаж из Дюссельдорфского музея

( + )

Джексон Поллок за работой

Лев Манович
Абстракция и Сложность

teterin приводит статью, спасибо ему.

высокоинтеллектуальная и медиакультурная статья американского профессора Льва Мановича, в переводе доблестного Константина Ефимова

"Какой тип изображений соответствует потребностям общества, основанного на глобальных информационных сетях? Общества, которое во всех своих сферах нуждается в отображении большего количества данных, слоев и соединений, чем предшествовавшее ему индустриальное общество? [1] Сложные системы, ставшие супер-сложными [2]; легкая доступность информации, идущей из новостных лент в реальном времени от датчиков и камер наблюдения; фрагментированный и ограниченный доступ к любой информации в потребительской экономике – все это осуществляет сильное воздействие на разные виды изображений, созданные человеческой культурой и используемые ей для развития новых видов.

Это не обязательно означает изобретение чего-то абсолютно беспрецедентного, наоборот - это очевидно даст старым изображениям, так сказать, новые ноги, расширяя их значимость и то, как они могут быть использованы. Именно этим и являлась компьютеризация визуальной культуры со времен своего начала в 1960х. Тогда как она сделала производство и распространение уже существующих видов изображений проще (записей, основанных на оптической технике, т.е. фотографий, фильмов и видео, диаграмм, архитектурных чертежей и т.д.), более важно, что компьютеризация сделала возможным функционирование этих изображений по-новому, “добавляя” интерактивность, превращая статичные изображения в виртуальные пространства, позволяя манипулировать изображениями с помощью разнообразных математических алгоритмов.

Последствия [3]

Давайте начнем с того, что подумаем о взаимодействии абстракции со своей противоположностью - как компьютеризация визуальной культуры повлияла на великое противостояние 20го века между абстракцией и формой? Оглядываясь назад, можно увидеть, что это противоборство было одним из определяющих факторов культуры 20го века, так как оно использовалось для поддержания множества других противоборств – между “популярной культурой” и “современным искусством”, между “демократией” и “тоталитаризмом”, и так далее.

Дисней против Малевича, Поллок против Соцреализма, MTV против Family channel. В итоге, по мере того как язык абстракции захватывал весь современный графический дизайн, а абстрактные картины мигрировали из студий художников в музеи современного искусства, корпоративные офисы, логотипы, гостиничные номера, сумки, мебель и так далее, политический заряд этого противоборства в значительной мере иссяк. Тем не менее, пока не существует новых и более точных категорий, мы все еще используем абстракцию/форму (или реализм/абстракцию) как основной визуальный и ментальный фильтр, через который пропускаются все окружающие нас изображения.

( Read more... )

В продолжение темы абстрактного экспрессионизма (см. вчера про Горки, у меня про Ротко) помещаю пост

pavel_otdelnov в

history_of_art. Он пишет:

"Недавно я прочитал диломную работу выпускницы искусствоведческого ф-та родного института о творчестве Марка Ротко.
Надо сказать, очень хороший диплом.
Особенно ценным мне показался акцент на проблеме созданиия выставочного пространства.
Хотел бы привести небольшие отрывки из него.

Несколько довоенных работ, в которых уже видна сфера будущих поисков Ротко.
работы конца 30-х:

( смотреть )

Ротко рекомендовал смотреть свои работы так, чтобы цветовые зоны полностью охватывали человека со всех сторон. В итоге прямоугольные формы теряли свою определенность. Цвет, не принадлежа форме, освобождается от нее и демонстрирует свою самоценность. Зачем это было необходимо художнику? Для того, чтобы ответить на этот вопрос, обратимся к высказываниям самого мастера о своем творчестве. Для Ротко его живопись не была чистой абстракцией. Он считал, что «трагический опыт и есть единственный источник искусства» . В одном из своих интервью Ротко сказал: «Мне интересно только выражение основных человеческих эмоций – трагедии, экстаза, отчаяния и так далее. И тот факт, что многие люди вдруг теряют себя и разражаются рыданиями перед моими картинами, означает, что я могу сообщаться с этими основными человеческими эмоциями… Люди, плачущие перед моими полотнами, переживают тот же религиозный трепет, что переживал я, когда рисовал их…» .

...вопрос о применении термина абстракция применительно к Ротко. Художник считал, что «ни о чем» настоящей картины быть не может, в то время как абстракция является искусством отвлеченных, чистых форм, свободных от каких-либо тенденций.

( Read more... )

В. Хемпфинг. Сидящая блондинка. 1941

Дегенеративное искусство. Часть 2

В первой части (см. здесь) я заметил, что несравненно выше ценю, нежели такой стиль (свойственный, в частности, империям сталинской и гитлеровской), т.н. "дегенеративное искусство", употребляя эти слова с извеситной иронией, подразумевая, что именно так именовали в нацистской Германии искусство нефигуративное, которое "никуда не зовёт и нечему не учит". (В советской России оно тоже было не в чести. Абстракционисты с конца 20-х были маргиналами и аутсайдерами в художественной жизни СССР). shaherezada тогда заметила, что это (нацистский стиль) и есть настоящее

"деградированное искусство. Конкретно вырождение классицизма и романтики/ сентиментализма. Впадение в детство. Регрессия, бегство от сложности современной жизни в регрессию, буколику, идиллию, пастораль".

Вообще же, что соц-реализм, что нац-соц-реализм - это, конечно, максимально приземлённое искусство.

Если социализм - это диамат (диалектический материализм), то ницизм - "кровь и почва". У крови тоже есть свои духи, а у почвы свои боги, но все они летают "так низЭнько-низЭнько".

Абстракционизм не привязан к почве, к материи (кроме материи холста и красок), поэтому он, по преимуществу духовен. Дух в своей сущности прост, но он менее понятен обывателю, потому что ему интересно то, что ближе к телу. Поэтому дегенеративное искусство "высокого реализма" (привет Илье Сергеечу Глазунову, и Вы, Шилов, не скучайте!) у масс пользуется любовью, а про мастеров искусства не очень здешнего можно услышать такое:

"Ладно "львица", всё ж таки 3 тыщи с лет до н.э., археологическо-историческая реликвия, все дела... ладно Уорхол с "зелёной машиной", у чувака имя, пускай!

Но, твою мать!, что такого в этой "белой серединке" и кто таков этот Ротко? Нет, вот положа руку... , без гуглов и яндексов, кто то... , по честному, его знает?

Наверняка знают. Чудес не бывает. Минимум человек десять-двадцать в Москве обязательно сыщется, ...может сто. По любому, это всё равно, что ни кто.

Прошу!, практически умоляю! объясните мне в двух словах, "крупным помолом" пройдясь по теме, ну вот в чём невероятная художественная ценность этого "поседевшего "центра", каким таким макаром этот Ротко оставил нервно курящими в коридоре Моне и Рафаэля?!

Если этот "центр" продаётся за такие бобы, то мне надо просто на досуге, на всякой случай, порисовывать по паре-тройке таких "шедевров" за вечер - ХЗ, а вдруг начнут брать хоть бы и за 10% от 73х лямов? ...а я и 1% буду вполне рад."

Это вот к чему:

Самые дорогие произведения изобразительного искусства, проданные на аукционах в 2007 году

( Смотреть )

Ротко тянет в небо, "высокий" реализм социалистов к земле, прямо в землю подчас.

Что они не знают Ротко (а узнав, насмехаться станут) естественно по описанным выше причинам.
Сложное даётся труднее лёгкого.
Гейзенберга и Шредингера тоже знали бы лишь специалисты, если бы не кошка с неопределённостью.
(У Уорхола эту роль сыграла Мэрлин Монро)

( Смотреть много )

Портреты:

Генерал-майор Гельмут фон Панвиц

( Смотреть )

Жанровая живопись:

Х.А. Бёхлер. Возвращение домой. 1940

( Далее )

Также см. о большевистском искусстве : 1 | 2 | 3 | tag |

coprofagocid
"Синяя аллея" 118Х100. Х\М. 1995- 2005

А вот его же - но совсем о другом:

Эдвард Моран. Торжественное открытие статуи "Свобода, несущая свет миру" 1886

Вчера раскачивались весь день (даже хорошую знакомую с собой тянули, да не вытянули, к сожалению), ну и раскачались в конце концов - отправились на выставку "Новый Свет. Три столетия американского искусства" в Цветаевском Музее (Волхонка,12). Выставка оказалась небольшой, хоть 3 века и охватывает. Нам хватило на осмотр с лихвой полутара часов.

( читать и смотреть )

Современное искусство США указанных периодов представлено в двух залах: в Белом зале - 1940-1980-х гг., а в Олимпийском зале (направо отмраморной лестницы, если подниматься по ней от главного входа в Музей),- новейшее искусство (1980-2007 гг.)

Искусство 1940-1980 гг.

Зал нам с вами нужно обходить по часовой стрелке, чтобы посмотреть картины в хронологическом порядке.

Абстрактный экспрессионизм 1940-1950-х гг. открывался двумя работами классика этого направления Джексона Поллока.Справа от входа в Белый зал мы встречаем его картину "Женщина-луна"(1942), напоминающую работы Пикассо. Это не из тех полотен, которые мне нравятся у Поллока: ломаный и расплывчатый женский силуэт в красных исерых тонах. Однако настоящим подарком для меня стала вторая из его картин: "Номер 18" (1950). Это работа, написанная в классическом стилеабстрактного экспрессионизма: даже не мазками и в несколько слоев брызги "жилок" (работу такого стиля см. ниже). Картина небольшая, можно было бы повесить дома.

( смотреть )

Однако гиперреализм позади, а впереди - концептуализм. Соберёмся с силами.

Первым в череде концептуалистов видим Брюса Науманас работой "Никто не воспевает неоновую вывеску" (1970),

( далее смотреть )

Вот теперь точно все. Итак, из концептуализма, порвавшего с изобразительностью в знак протеста против ее полного обессмысливания гиперреализмом, мыперемещаемся в 1980-2007 года. За мною читатель, и я покажу тебе новейшее искусство!:))

Искусство 1980-2007 гг.

При входе в зал с новейшим искусством замечаем, что здесь хронологический порядок осмотра обеспечивается движением против часовой стрелки. Ну что ж, пойдем против...

Сразу же при входе в зал справа видим работу без названия (1995) Ричарда Принса,представляющую собой сильно увеличенную и, возможно, ретушированную фотографию ковбоев, один из которых, тот, что находится на первомплане, взмахивает лассо... Ничего такого особенного. Ковбои как ковбои.

Зато дальше все намного интереснее: "Человек из Неаполя" (1982) Жана-Мишеля Баскиа (другие картины см. также здесь):

Жан-Мишель Баскиа. Человек из Неаполя. 1982.

( далее )

Итак, с Цвияновичем мы познакомились. Идем дальше и видим работу Кьянде Уайли 2006 года "Защищайте и стройте остров вместе":

Кьянде Уайли. Защищайте и стройте остров вместе. 2006

( далее смотреть )

Ах, спасибо,

blikin
Кирилло-Белозерский монастырь. Музей. Иконостас собора Успения Богородицы.
Фрагменты. Что вы хотите? Это абстракционизм...

( смотреть много )

Владимир Немухин. Голубой день. 1958

Далее: Яковлев, Пятницкий, Рабин

( смотреть )

Михаил

_autofocus Лёзин
без названия, 2007

крафт-бумага, см.техника
26,5 × 26,5 см

Mark Rothko (American, born Russia, 1903–1970)

No. 13 (White, Red, on Yellow), 1958
Oil and acrylic with powdered pigments on canvas; . (242.2 x 206.7 cm)

( смотреть произведения Ротко )

( читать био с иллюстрациями )

С конца 1950-х годов Ротко занимался в основном созданием монументальных композиций для украшения зданий. В 1958 он получил заказ на создание декоративных панно для небоскреба Сигрем-билдинг. Однако выполненные художником композиции так и не были установлены на предназначенных для них местах. Девять из них были выставлены впоследствии в галерее Тэйт в Лондоне. В 1961 Ротко получил аналогичный заказ на украшение Холиоук-центра Гарвардского университета. Самая значительная работа Ротко – цикл из 14 картин для церкви в Хьюстоне (шт. Техас). (14 картин соответствует 14 "стояниям" -остановкам- на Крестном Пути Христа Иисуса)

Untitled, 1967

Ротко был избран в Национальный институт искусств и словесности в 1968 году. В следующем году Йельский университет присудил ему степень почетного доктора изящных искусств.В 1970 Ротко совершил самоубийство в своей мастерской.

Здесь много работ